Статья о художнике
Вступительная статья к персональному альбому Л.Остапенко
Пейзажи пишут многие художники. Для одних это, своего рода, тренировка глаза: возможность сохранять остроту восприятия цвета; для других пейзаж может быть поиском фона для задуманной композиции; третьи – пишут естественную среду, где природа – место действия героев картины, а пейзаж целиком «подчинен» ее замыслу. Но есть такие художники, для которых изображение природы – смысл творчества. Это особая категория художников, умеющих только в пейзаже наиболее полно и глубоко выразить свои чувства, свои мысли, свое мироощущение. Ограничив многообразие живописи рамками одного жанра, они целеустремленно осваивают его многообразную структуру, живописную специфику, пластические возможности. Пейзаж – один из наиболее эмоциональных жанров искусства. Им нельзя овладеть без искренней любви художника к природе, и только глубоко переживаемое впечатление рождает произведение, в котором зритель, вслед за художником, может увидеть в давно знакомом и будничном нечто поразительно новое и волнующее.
Творческий путь Леонида Павловича Остапенко был определен с ученических лет – лирический пейзаж. Художник предан «чистой» природе и всем своим творчеством он утверждает ценность и значимость обыденной, простой, издавна окружающей нас природы.
Леонид Остапенко пишет с натуры, прямо в холст, минуя стадию эскизов и подготовительных этюдов, находя «картинность» в самом скромном, непритязательном мотиве. Точно улавливая цветовой строй и колорит натуры, он с убедительной достоверностью передает их на холсте, что позволяет создать ощущение правдивости и естественности.
Его мастерство, как мастерство настоящего пейзажиста, заключается в том, что уже в натурном мотиве он умеет определить и выделить главное, найти характерные черты и детали, которые присущи только этому месту. И, таким образом, подчеркнуть его индивидуальность.
Леонид Остапенко работает много и в разное время года. Но особенно плодотворно и интенсивно летом в Доме творчества «Академическая дача». На «даче», облюбованной художниками в конце прошлого века, воспитывалось не одно поколение живописцев. Сюда приезжали Репин, Куинджи, Бродский, Бакшеев и многие другие выдающиеся мастера. «Край вдохновения» по-прежнему продолжает притягивать: И.Сошников, О.Светличная, Г.Незнайкин, Н.Федосов, М.Кугач, Г.Пасько, М.Абакумов… Это те художники, с которыми общался Л.Остапенко на «Академичке».
Чтобы «захватить» восход и первые утренние тени, Остапенко встает рано. Когда поднимается солнце, художник переходит к другому «мотиву». Вторая половина дня имеет иное освещение, а вечерняя заря неузнаваемо преображает знакомый вид, меняются краски. Это позволяет находить новые сюжеты. Понимая особую роль света для передачи «состояния» природы, художник несколько раз в день переключает свое внимание и ведет параллельную работу над несколькими холстами.
Сопоставление трех пейзажей «Утренние тени», «Сенокосная пора» и «День догорает», написанных на даче с натуры, дает представление об определяющей роли света в работах мастера. В первом из них зритель стоит спиной к солнцу, еще не поднявшемуся из-за деревьев, от которых падают длинные холодные тени, закрывая весь первый план. От них еще исходит ощущение ночной прохлады, но, кажется, пройдет мгновение, и тени, уменьшаясь, будут отступать: вся поляна и лес на другой стороне зальются светом, а воздух наполнится птичьими голосами, радостно возвещая о начале солнечного дня. Иное состояние в пейзаже «День догорает». И лес, и вода, и прибрежные кусты тихо прощаются в угасающем дне. Пелена надвигающихся сумерек уже укрыла всю нижнюю часть пейзажа, где смутно различимы камышовые заросли, очертания кустов ,едва заметно движение темной воды… Лишь верхушки берез и сосен ярко горят в закатных лучах, удерживая последние мгновения этого праздника света. Еще несколько минут и лес будет виден темным силуэтом на фоне теплого охристого неба, и оно, постепенно темнея, вберет холодные краски ночи.
Утро и вечер. Радостное ожидание дня и легкая грусть прощания с ним – эти два разных состояния природы решены не только цветовым строем, но и живописной фактурой. Легкая, почти акварельная живопись в утреннем пейзаже сменяется более плотным, пастозным мазком, мягким в нижней части холста (что вносит ноту таинственности) – в вечернем. Иной принцип решения в картине «Сенокосная пора». Это один из немногих пейзажей, где художник изобразил следы человеческой деятельности. Композиция этого холста построена на энергии ритмов. Скошенное, высушенное сено собрано в копешки, разбросанные по полю. Неподвижные, они лишь напоминают о кипевшей здесь работе. Но холст наполнен движением: бегут по небу гонимые ветром облака, скользят по земле их легкие тени, колышутся ветки кустов – природа наполнена ощущением жизни.
Переходное состояние, когда свет сменяется буквально каждое мгновение, требует от художника большой концентрации сил и необходимости по многу раз возвращаться к одному и тому же мотиву, чтобы уловить это состояние. Ровный свет позволяет снять напряжение. Но картины с таким освещением иногда пишутся по нескольку лет.
Небольшая речка разлилась так широко, что лишь по прибрежным кустам и деревьям, утопающим в воде, можно догадаться о ее русле. Видны кое-где участки суши, не залитые водой, цвет которой вобрал в себя краски неба, ветвей деревьев, первых набухающих почек. Эту стихию воды художник пишет темпераментно, широким пастозным мазком, создавая впечатление, что на холст перенесено только что увиденное, поразившее живописца мгновение. Разговор об этой картине начат для того, чтобы поговорить еще об одной особенности творческого почерка художника. Часто возвращаясь к холсту, уточняя и проверяя много раз на натуре написанное, он умеет «не замучить» работу, оставить ее свежей, сохранившей импульс первого впечатления.
Еще одна черта характера сформировала творческое лицо Леонида Остапенко – любовь к стабильности. В немногих, сохранившихся от периода учебы работах, уже очерчен круг сюжетов. Более пяти десятилетий художник не изменяет этим мотивам и «идет» вглубь темы. За это время менялись взгляды и оценки пейзажа как жанра, на смену одним концепциям приходили другие, но художник остается верен камерному лирико-созерцательному пейзажу, традициям русской реалистической школы, корни которой уже видны в пейзажных фонах картин Веницианова. За прошедшие более ста лет достижения ее множились трудами Саврасова и Левитана, Петровичева и Жуковского, Ромадина, Грицая, Бакшеева. Живут эти традиции и стараниями Леонида Остапенко, вносящего свой вклад в эту прекрасную копилку.
Скромная, по сравнению с красотами других широт, природа средней полосы, требует от художника особого эстетического чувства. Надо долго смотреть, много анализировать и уметь языком красок создать эмоциональный образ. Характерным штрихом биографии, иллюстрирующим это утверждение, является следующее: побывав во многих странах Европы, художник не привез оттуда ни одного этюда. Видимо, долго смотреть, вживаться не было времени, а взгляд туриста несовместим с его творческим подходом.
Весна и лето, зима и осень, сменяя друг друга в неумолимой закономерности, дают художнику обширный материал. От холста к холсту ведет живописец свой рассказ о жизни природы, ведет ровным и спокойным голосом. Такому изложению соответствует ясный пластический язык. Остапенко никогда не деформирует предмет, не допускает небрежностей в деталях, у него не бывает «общих» мест, непроработанных участков на холсте. Продуманная архитектоника композиции, точность и чистота рисунка, живописная культура – все эти качества – суть его творчества. Именно они и позволяют этюдный, по сути, мотив превратить в пейзаж-картину.
Традиции русской реалистической школы пейзажа усвоены живописцем не формально. Живописные и композиционные приемы художник воспринял от предшественников. Слова «…в ней есть душа», сказанные в прошлом веке Федором Тютчевым, особенно хорошо понимают художники-пейзажисты-лирики. Грамотно написать пейзаж могут многие, прошедшие специальную школу. Понять «душу природы» дано не каждому. Но и поняв, надо уметь воплотить это понятие в красках, найти для этого выразительные средства.
«Листья облетели» - сравнительно небольшая картина, где изображены несколько деревьев. Проза мотива и поэзия его воплощения удивляют. Пренебрегая деталями, словно на одном дыхании, художник «выплескивает» на полотно с исчерпывающей искренностью образ огромной эмоциональной силы. В нем не только тихая грусть, сколько глубокая душевная боль… Работу отмечает тонко нюансированные цветовые оттенки, сочетание разных фактур. Здесь легкие касания кисти с прозрачным красочным слоем соседствуют с пастозным мазком сложного цвета, и все вместе сплавлено в тончайшую живописную ткань, которая живет, дышит и вызывает отклик на эту лирическую исповедь живописца.
Контрастом этому настроению может служить работа «Земля цветет». Не только о весеннем цветении идет разговор: этот холст звучит как гимн щедрости природы. Этот замысел продиктовал совсем иную манеру исполнения. Здесь не обойдена вниманием ни одна мелочь: с любовью написаны деревья, кусты, трава, цветы, чистое, пронзительно голубое небо и яркое солнце.
Анализируя работу, приходишь к выводу, что сюжетный мотив, внешняя фабула, поддающаяся словесному пересказу, не всегда адекватны смыслу картины. Его можно понять только восприняв все особенности «языка», на котором говорит художник. Начиная новую работу, художник интуитивно ищет те способы, которые наиболее полно выразят его замысел.
Леонид Остапенко часто использует валерную живопись: переход одного цвета в другой осуществляется едва уловимыми тональными градациями. Так написаны картины «На заре», «В лесу». В обоих присутствует эпическая нота. Деревья, застывшие в своем величии, создают такую интонацию. А пейзаж «В лесу» можно назвать еще и «портретом» березы. Огромное старое дерево, словно, создавая силовое поле, освободило место для своего роста, и лес отступил, дав место этому дереву. Дереву так много лет, что оно утратило видовые признаки: нет свойственной березе белизны ствола, а гибкие ветви потеряли упругость. Но и под кроной, в освободившемся пространстве растут молодые елочки. Этот контраст старого и молодого, сильного и хрупкого рождает много мыслей. О чем картина? О жизни, о неизбежности смены…
Увлеченность художника неиссякаема, именно она помогает ему находить картинные мотивы там, где многие проходят мимо, не задерживая взгляда. Его умение превращать прозу в поэзию вызывает в памяти известное высказывание Н.В.Гоголя: «Чем предмет обыкновеннее, тем выше нужно быть поэту, чтобы извлечь из него необыкновенное»… Думается, это слова имеют прямое отношение к Леониду Павловичу Остапенко.
Ю.П.Михайлова, искусствовед
